Sesiones de directo y Jam

En mi último programa de radio para la EMARTV dediqué un tiempo a algunos directos. Este es parte del guion usado para el mismo. Os invito a escucharlo en:

https://www.ivoox.com/historia-del-rock-348-audios-mp3_rf_26027678_1.html

Érase una vez que se juntaron… John Lennon de los Beatles, Eric Clapton de los Cream, Keith Richards de los Rolling Stones, y Mitch Mitchell de Jimi Hendrix Experience son The Dirty Mac… Era la primera vez que Lennon tocaba en público sin sus compañeros de los Beatles.

Solos de guitarra, solos en la batería, el protagonismo de cualquier instrumento es válido, aceptado, necesario en una sesión jam donde la improvisación ocupa su momento de alguna manera, donde radica el verdadero talento de los componentes de la banda…

En ocasiones las grabaciones de las sesiones en directo no tienen la calidad que tal vez buscamos, pero merece la pena aun así podernos deleitar con esas piezas que son sin duda, únicas e irrepetibles precisamente por ese momento de inspiración que ofrece el directo…

Sería imposible compartir todas las sesiones jam que existen, esta fue solo una humilde selección que espero os guste.

Componen esta selección:

THE DIRTY MAC
MORLEY GREY
– Pertenece a su primer álbum del 72 “The only truth” en el que aparecen Tim Roller a la guitarra, Mark Roller al bajo, y Paul Cassidy junto a Bob LaNave en la batería. Rock con intensidad.
BUDDY GUY Y JUNIOR WALKER
BUGS HENDERSON Y FREDDIE KING
– Tema: “Boogie on down”
LARRY CORYELL
– Tema: “The opening”
MOBY GRAPE
RIFF RAFF
– En 1973 editan su disco homónimo del que elijo este “You Must Be Joking”.
EDGAR BROUGHTON BAND
– Directo suyo en Abbey Road del 69 reeditado en 2004.

Enlace a mi blog sobre música:

https://agendatodorock.wordpress.com/

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TRES FESTIVAL, el encuentro cultural

Ramón Santos

La Fundación Tres Culturas en su empeño constante e incansable por promover la cultura entre ambas orillas del Mediterráneo ha organizado un encuentro, segundo ya, dedicado en esta ocasión a las libertades. Se trata del TRES FESTIVAL – Voces del Mediterráneo.

La cita será entre los días 26, 27 y 28 de este mes de abril y se desarrollará en el Centro Federico García Lorca de Granada.

Se busca, como reza en la introducción al evento en su página web, “contribuir a la mejor comprensión del otro, a la integración de los pueblos en comunidades tolerantes y dispuestas a la convivencia pacífica y, desde luego, a avanzar en el camino de la igualdad y la paz.”

Escritores, artistas, historiadores, periodistas, profesores, poetas… todos se dan cita en TRES FESTIVAL – Voces del Mediterráneo, para llevar a cabo un extenso programa de actos con el que se pretende acercar más a los pueblos a través de sus culturas. José Manuel Cervera, director de la Fundación así lo destaca: “El Mediterráneo es un mar de cultura, de diálogo, y queremos también que sea un mar de convivencia”.

Todos los actos son de entrada libre previa inscripción. Al término de cada uno de ellos, los autores firmaran ejemplares de sus obras. La programación cuenta con un interesante programa de actividades culturales paralelas. De esta forma, simultáneamente se puede visitar la exposición que lleva por título: “Miradas Paralelas. Irán-España: fotógrafas en el espejo”. Así mismo el Festival cuenta con el ciclo de cine “De la palabra a la imagen: narrando realidades”, en el que se proyectaran tres películas relacionadas con la cultura mediterránea. Tampoco podía faltar la música, que en esta segunda edición correrá a cargo de la cantante de origen marroquí y que triunfa en tierras parisinas, Sophia Charaï quien con su característico estilo de diversidad musical conseguirá crear un ambiente fresco y unificante.

La Fundación Tres Culturas cuenta con la colaboración de la Junta de Andalucía.

Otros datos y enlaces de interés

Autores invitados:

ALESSANDRO BARICCO
ANTONIO MUÑOZ MOLINA
TAHAR BEN JELLOUN
GÜNTER WALLRAFF
ALICIA GIMÉNEZ BARTLETT
TARIQ ALI
MATHIAS ENARD
LEILA SLIMANI
RUTU MODAN
LUIS GARCÍA MONTERO
ABDELÁ TAIA
ELIAS SANBAR
ZEINA ABIRACHED
ASLI ERDOGAN
SLAVENKA DRAKULIĆ
ADAM FETHI
VICENTE LUIS MORA
HÉLE BÉJI
ANTONIO LOZANO
IOANA GRUIA
SOPHIA CHARAÏ
SOLEÁ MORENTE

Programa del evento en formato PDF

http://cort.as/-43Zs

Biografía de participantes en formato PDF

http://cort.as/-43Zz

Sitio web oficial

http://tresculturas.org/proyecto/tres-festival-2018/

Video promocional del evento

Video de la cantante Sophia Sharaï

 

+DISCOS: A Night at the Opera – Queen – 1975

Ramón Santos

A Night at the Opera fue muy bien recibido por la prensa y crítica musical del momento. Co-producido por Roy Thomas Baker y Queen el disco se convirtió en el más vendido pero también la producción más cara de la banda. Sus creadores querían hacer del álbum algo diferente y mezclaron estilos tan diferentes como el pop, el hard rock, la ópera y el music-hall. El resultado fue el cuarto trabajo en disco del grupo al que dieron en titular“A Night at the Opera”un título escogido a propósito de la obra con idéntico nombre cinematográfico de los hermanos Marx.

El repertorio está muy bien logrado y acabado. En total son doce temas con piezas destacadas como “Death on two legs”, “Lazing on a sunday afternoon”, “You’re my best friend”, “I’m in love with my car”, “Love of my life” y, por supuesto la mayor de todas, “Bohemian Rapsody”.
Queen quería experimentar con las nuevas técnicas de grabación existentes en aquella época. El sonido estéreo era una de ellas por ejemplo. Igualmente quisieron dar un toque de humor a todo el contexto general del álbum. En 2005 salió al mercado una edición especial con motivo del trigésimo aniversario. Un DVD con comentarios de los componentes de la banda, videos originales de las canciones y otros detalles iban en esa edición remasterizada. Unos años antes, en 2002 había sido catalogado como disco de Platino.

Los miembros de Queen se distribuyeron así durante las grabaciones del disco:
Freddie Mercury al piano y voz
Brian May con el Banjo y Ukelele, guitarra, y voces adicionales, voz principal en los temas “39” y “Good Company”.
John Deacon al bajo, piano eléctrico y contrabajo.
Roger Taylor en la percusión, batería y voz principal en “I’m in Love with My Car”.

Como anécdotas o detalles se cuenta que el tema “Death On Two Legs (Dedicated To…)”, compuesto por Freddie Mercury, está dedicado indirectamente al ex mánager de la banda, Norman Sheffield y este interpusó una demanda contra la banda por ello. Lo verdaderamente cierto es que con este trabajo Queen no solo se consolida definitivamente en el panorama musical de aquellos días sino que consigue iniciar su importante escalada de éxitos.

Los mejores discos de la Historia del Rock y del Pop

Ramón Santos

Quiero dedicar una serie de artículos a discos que considero imprescindibles para el entendimiento de la evolución del Rock y del Pop desde sus comienzos, allá por los años 50. Y es que esta es mi verdadera inquietud cultural y profesional, indagar en todo lo concerniente a la evolución de la música contemporánea, con sus derivaciones, añadidos e influencias. Una historia que como todas, va ligada a otras historias, la política, la social y la económica. Estos artículos forman parte de mis programas emitidos en radio y son también base documental para un trabajo posterior que estoy preparando. La serie que presento, son breves reseñas escogidas un poco al azar, es decir, que no tienen un orden cronológico. Espero que os agrade.

Durante el proceso de grabación de este sexto trabajo en disco de la banda británica se produjeron ciertas tiranteces entre especialmente dos de sus componentes; Roger Hodgson y Rick Davies. Uno de los asuntos de estas disputas fue el del nombre del trabajo. Había dos títulos donde elegir, “Hello stranger” y el que seria el definitivo “Desayuno en América”.

El álbum nada más salir al mercado, un 29 de marzo del 79, consiguió importantes puestos en diferentes listas incluidas las de Noruega y Australia. Tan solo en los Estados Unidos se vendieron en su primera edición cuatro millones de copias. Se afirma que aquí en nuestro país uno de cada 25 hogares españoles tiene este disco.

Debemos hacer especial mención a la portada del disco diseñada por el artista Mike Doud quien consiguió por esta portada un premio Grammy en el 79. En dicha portada, para los que no la conozca, aparecen en primer plano una camarera en pose de Estatua de la Libertad. Ella es la actriz americana Kate Murtagh. En su mano derecha porta en lugar de la antorcha de la estatua original un zumo de naranja y en la otra la carta del menú. Tras de ella, al fondo y fabricado con tazas, botellas, platos y cubiertos se puede apreciar una especie de maqueta de Nueva York con las todavía dos Torres Gemelas incluida. Todo esto presidido por un plato con un desayuno típico americano que hace las veces del lugar que ocupa realmente el famoso parque neoyorquino Battery Park. Original todo cuando menos.

Todas las canciones del álbum, diez en total en su primer lanzamiento, fueron compuestas por el dúo Rick y Roger. Las voces se las dividen a medias entre uno y otro autor salvo en el último tema en el que cantan juntos “Child of Vision”.

Este trabajo musical de estudio de la banda fue realizado con el siguiente reparto:

Rick Davies en la voz y teclados
John Helliwell con el saxofón y en los coros
Roger Hodgson en la voz, guitarra y teclados
Bob Siebenberg a la batería
Dougie Thomson al bajo
Y también como músico para la ocasión se contó con Slyde Hyde con el trombón y la tuba.

En 2002 salió une edición especial del disco y en 2010 una edición de lujo con grabaciones de directos realizados en París, Wembley y Miami. En esta edición citada lanzada en dos CD y LP se incluyeron videos y material de promoción.

Para la promoción del disco se lanzaron tres sencillos en el mes de junio del 79 compuestos por las siguientes canciones:

Primer sencillo:

“The Logical Song” en la cara A

“Just Another Nervous Wreck” en la cara B

Segundo single:

“Goodbye Stranger” en la cara A

“Even in the Quietest Moments” en la cara B

Y el tercero:

“Breakfast in America” en la cara A

“Gone Hollywood” en la cara B

Este disco es uno de los mejores de esta banda que supo labrarse su propio camino a base de esfuerzo, dedicación y buen hacer en la música.

Enlace al programa ya emitido con este contenido: http://www.ivoox.com/3380668

Artículo publicado también en: https://www.bebee.com/producer/@jose-ramon-cadiz/seleccion-de-discos-de-la-historia-del-rock-y-del-pop

Estilos clásicos: EL SKIFFLE

El Skiffle es un estilo musical con clara influencia del Folk pero también del Blues, el Jazz y el Country. Una de sus peculiaridades es la básica instrumentación que usaban. La guitarra acústica y el banjo eran las estrellas siempre, pero había otros instrumentos que a veces eran improvisados como el palo de escoba al que se le ataba una cuerda tensada o la tabla de lavar. Peines con papel de seda para hacerlos sonar, arpas judías que se usan con la boca y en ocasiones algún violín también se incorporaba a la fiesta Skiffle.

Glory Skiffle Tramps 1963

Existen ciertas dudas sobre el verdadero origen del Skiffle pero al igual que otros géneros todo indica que fueron los afro americanos de principios del siglo XX los que lo iniciaron. Los primeros grupos de Skiffle eran grupos callejeros que tocaban a cambio de limosnas. Mientras unos hacían la música otro de los componentes pasaba la gorra por entre los transeúntes y así se ganaban la vida. Se dice que la primera vez que se usó la palabra Skiffle en una grabación fue en 1925 con Jimmy O’Bryant and His Chicago Skifflers.

grupo-de-skiffle

El Skiffle tuvo su apogeo durante los años 20 y 30. En los 40 fue decayendo hasta prácticamente desaparecer. Sin embargo, hacia la mitad de los años 50 resurge al otro lado del océano, en Europa y más concretamente en el Reino Unido.


Por su parte el Skiffle británico se mantuvo en expansión hasta la llegada de los años 60 y como precursor del estilo tenemos en ese momento a Lonnie Donegan. Lonnie formó una banda “Lonnie Donegan With His Skiffle Group”. Tocaban Folk y Blues principalmente. Tuvieron mucho éxito y otros grupos comenzaron a imitarles en el camino. De repente surge la fiebre por el Skiffle, cientos, miles de jóvenes se apuntan a aquel sonido atraídos por su aparente sencillez. Son los jóvenes de la clase obrera británica los que forman un movimiento de aficionados en torno al estilo que no exigía tener conocimientos musicales y admitía cualquier tipo de utensilio para hacer música.

The Quarry Men

Los grupos de Skiffle no aspiraban a realizar conciertos en ninguna parte ni tampoco a grabar ningún disco. Simplemente tocaban en cualquier parte, en la calle, en los bares y cafeterías, etc. Lo hacían por diversión y porque estaba de moda hacerlo.
Precisamente de toda ese alud de grupos británicos locos por el Skiffle saldría uno muy destacado; The Quarry Men que luego más tarde se convertirían en los más grandes de la música de todos los tiempos: The Beatles. John Lennon formó The Quarry Men en 1957 a los pocos meses invito a sus filas a Paul Mc Cartney y luego a George Harrison.

Algunos otros destacados hoy músicos echaron su mirada y dieron un guiño al Skiffle en sus comienzos en la música. Gente como Mick Jagger, Jimy Page o Van Morrison por ejemplo. Como grupos actuales podríamos citar a los americanos Wahoo Skiffle Crazies, los británicos The Gutter Brothers o los alemanes Black Bottom Skiffle Group.

Vino y Música

Ramón Santos

A través del vino podemos entrar en un universo de sugestiones con aromas, gustos, sensaciones que puede incluir el sonido como elemento acompañante.

Hay estudios que demuestran la relación que existe entre la música y el vino. En esos estudios llevados a cabo en Reino Unido, los participantes experimentaron cambios dependiendo de la música que estaban escuchando mientras bebían una copa de vino. Eso sí, hay que saber elegir y combinar el tipo de música y el vino. Un ejemplo de los estudios citados es que cuando se oía una pieza musical de gran fuerza, si se escuchaba con un vino como el Cabernet Sauvignon, por ejemplo, su sabor se percibía un 60 % más potente, rico y robusto que cuando se saboreaba el mismo tipo de vino sin música.

Las investigaciones se basan en la teoría cognitiva que establece que la música estimula áreas específicas de nuestro cerebro para que este responda ante el vino y favorezca su sabor al paladar. Por lo tanto, la interrelación entre los condicionantes sensitivos del sonido y el gusto queda demostrada.

La música amansa a las fieras

Es ya conocido el hecho de que la música es sugestiva para cualquier ser vivo. Podemos recordar que los experimentos con música y su interactividad con los seres vivos siempre han suscitado interés por parte de la comunidad científica. Hay testimonios de ello en prensa escrita fechada a principios del siglo XX donde se habla de pruebas musicales con animales de zoológico. El ser humano, no escapa a ese tipo de sugestión y la música influye incluso en nuestra capacidad de elección.

 

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Adrián North

Adrián North, director del Departamento de Psicología Aplicada de la Universidad de Edimburgo, realizó una investigación en supermercados en la que demostró que dependiendo de la música ambiente los clientes compraban más un tipo de vino que otro. Por ejemplo si se reproducía música de acordeones la venta de vinos franceses aumentaba y de igual forma si la música ambiental tenía toques bávaros, entonces subía las ventas de vinos de origen alemán. Según esto, ¿influiría la música de pasodoble para vender vino español? Probablemente sí.

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Gianfranco Grisi en una de sus interpretaciones con el Cristalmonio.

El músico Gianfranco Grisi y el periodista especializado en vinos Carlos Delgado tuvieron la iniciativa de crear unos conciertos donde el líquido elemento del vino y las notas musicales de un nuevo instrumento denominado Cristalmonio fueron los protagonistas.

El Cristalmonio consiste en un mueble sobre el que se depositan 47 copas de vino cada una con un nivel diferente de llenado. El músico desliza sus dedos ligeramente humedecidos por los bordes del cristal y esté responde con un sonido limpio y cristalino. No es la primera vez que se experimenta con instrumentos de cristal, ya en 1762 Benjamin Franklin creó el “Glass armonica” y es conocido el uso del cristal en la antigua China para crear música.

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Imagen de época con el instrumento Glass armonica.

Del binomio entre el vino y la música han surgido hoy en día inspirados conciertos y encuentros dedicados. Como por ejemplo el ciclo de conciertos acústicos en el Museo del Vino de Toro en Zamora “Música Entre Barricas”, el festival de música y cultura del vino “Eno!Festival” en Madrid, Vinyasons, VIJAZZ y Vinya & Art en el Penedès o el Festival “Las Notas del Vino” de Valdepeñas son algunos claros eventos de esta combinación para los sentidos.

En estos casos, no son citas musicales para buscar influenciarnos en nada. Son simplemente encuentros donde la música es la protagonista de la singular unión entre la cultura del vino y la cultura de la música, una mezcla perfecta que nos ayuda a vivir la vida con más intensidad, saboreando (nunca mejor dicho) los momentos con una copa de vino en la mano.

Yo por mi parte me voy a permitir brindar con una copa de uno de los caldos nacidos en tierras chiclaneras que ha tenido incluso una distinción Parker. Saboreo una copa de Palo Cortado seco de Bodegas Manuel Aragón mientras me dejo llevar por el magistral Adagio de Albinoni. Todo un deleite para nuestros sentidos. ¡A vuestra salud!

 

 

Música para camaleones

Truman Capote en el prefacio de su libro “Música para camaleones” escribe esta serie de frases que a mi entender le definen en su relación con el mundo literario.

[…] Entonces, un día comencé a escribir, sin saber que me había encadenado de por vida a un noble pero también implacable amo.

[…] Cuando Dios le entrega a uno un don, también le da un látigo; y el látigo es únicamente para autoflagelarse.

[…] Un escritor debería tener todos sus colores y capacidades disponibles en la misma paleta para mezclarlos y, en casos apropiados, para aplicarlos simultáneamente.

Truman Capote, Anagrama, ed. XI 2008.

Este es un fragmento del libro de una de las piezas iniciales que lo componen:

“Estaba de pie junto a la chimenea de la biblioteca, en el segundo piso, cuando oyó los pasos de su marido por la escalera. Adoptó una postura llena de gracia, seductora, como la habitación misma, una insólita estancia octogonal con paredes barnizas de color canela, el suelo esmaltado de amarillo, estanterías de cobre (idea tomada de Billy Baldwin), dos enormes ramas de orquídeas pardas colocadas en jarrones chinos de color ambarino, un caballo de Marino Marini erguido en un rincón, un Gauguin de los mares del Sur sobre la repisa de la chimenea y un fuego delicado palpitando en el hogar. Las ventanas del balcón ofrecían el panorama de un jardín en sombras, nieve llevada por el viento y remolcadores iluminados que flotaban como faroles en el río Este. Frente a la chimenea, había un voluptuoso sofá tapizado en terciopelo de color café, y delante de él, sobre una mesa barnizada con el mismo amarillo del suelo, un cubo de plata lleno de hielo; y dentro del cubo, una botella rebosante de rojo vodka ruso aderezado con pimienta”.

Música para camaleones, Truman Capote, Ed. Compactos-Anagrama, p.45