+DISCOS: A Night at the Opera – Queen – 1975

Ramón Santos

A Night at the Opera fue muy bien recibido por la prensa y crítica musical del momento. Co-producido por Roy Thomas Baker y Queen el disco se convirtió en el más vendido pero también la producción más cara de la banda. Sus creadores querían hacer del álbum algo diferente y mezclaron estilos tan diferentes como el pop, el hard rock, la ópera y el music-hall. El resultado fue el cuarto trabajo en disco del grupo al que dieron en titular“A Night at the Opera”un título escogido a propósito de la obra con idéntico nombre cinematográfico de los hermanos Marx.

El repertorio está muy bien logrado y acabado. En total son doce temas con piezas destacadas como “Death on two legs”, “Lazing on a sunday afternoon”, “You’re my best friend”, “I’m in love with my car”, “Love of my life” y, por supuesto la mayor de todas, “Bohemian Rapsody”.
Queen quería experimentar con las nuevas técnicas de grabación existentes en aquella época. El sonido estéreo era una de ellas por ejemplo. Igualmente quisieron dar un toque de humor a todo el contexto general del álbum. En 2005 salió al mercado una edición especial con motivo del trigésimo aniversario. Un DVD con comentarios de los componentes de la banda, videos originales de las canciones y otros detalles iban en esa edición remasterizada. Unos años antes, en 2002 había sido catalogado como disco de Platino.

Los miembros de Queen se distribuyeron así durante las grabaciones del disco:
Freddie Mercury al piano y voz
Brian May con el Banjo y Ukelele, guitarra, y voces adicionales, voz principal en los temas “39” y “Good Company”.
John Deacon al bajo, piano eléctrico y contrabajo.
Roger Taylor en la percusión, batería y voz principal en “I’m in Love with My Car”.

Como anécdotas o detalles se cuenta que el tema “Death On Two Legs (Dedicated To…)”, compuesto por Freddie Mercury, está dedicado indirectamente al ex mánager de la banda, Norman Sheffield y este interpusó una demanda contra la banda por ello. Lo verdaderamente cierto es que con este trabajo Queen no solo se consolida definitivamente en el panorama musical de aquellos días sino que consigue iniciar su importante escalada de éxitos.

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Discos: Eagles y “Hotel California”

Ramón Santos

En mi programa revisión de la historia de la música Rock y su evolución número #169 dediqué un tiempo al que fuera disco de oro Hotel California de la banda Eagles en 1976 y quiero compartirlo con vosotros aquí…

Comienzan hoy de nuevo, a sonar los primeros acordes de “Hotel California” y mi piel empieza al unísono a estremecerse. ¿Será porque fue uno de aquellos primeros discos de vinilo que había comprado en mi adolescencia?

Soft-Rock, Country-Rock, ambos elementos sirven para definir el contenido musical de este fantástico trabajo de la banda Eagles de 1976. Si deshojamos el álbum nos encontramos con piezas variadas. Piezas como el rockero “Life in the fast lane”. En su línea suave encontramos baladas como “Wasted time”. Destacable seria el riff del que hacen uso en la canción “Victim of love”.

En su momento el disco no hubiera sobresalido en el panorama de lo musical sin el tema homónimo “Hotel California” o “New kid in town”. Ambos serian números uno en listas. Fue el quinto trabajo del grupo y con el consiguieron bastante éxito comercial en el mercado. Solo en los Estados Unidos lograron vender más de 16 millones de copias. Permaneció en la categoría de número uno en ventas ocho semanas. El álbum ha sido galardonado con diversos premios desde que fuera publicado en el 76.

El equipo humano que lo hizo posible estaba compuesto por los siguientes músicos: Don Felder con la Guitarra acústica y eléctrica, pedal y voz; Glenn Frey a la Guitarra, sintetizador, piano, teclados, clavinet y voz; Don Henley en la Batería, Percusión, sintetizador y voz; Randy Meisner al Bajo, guitarra acústica y voz y Joe Walsh con la guitarra eléctrica, guitarra acústica, Lap steel guitar, teclados, piano, órgano, sintetizador y también voz.

Entre 1976 y el 77 se publicaron tres singles promocionales. “New Kid in Town”/”Victim Of Love” en diciembre de 1976; “Hotel California”/”Pretty Maids All In A Row” el 22 de febrero de 1977 y “Life in the Fast Lane”/”The Last Resort” el 3 de mayo de 1977. El tema “New kid in town” consiguió en 1977 un premio Grammy a los mejores arreglos de voz. Y el álbum completo otro Grammy a la mejor grabación del año.

Como curiosidad está la de la caratula del álbum. Una fotografía tomada al hotel Bervely Hills de Los Angeles. Aunque el verdadero Hotel California existe. Al menos con esa denominación y está en Todos Santos, Baja California Sur, México.

En lo referente al contenido y mensaje del tema principal del disco “Hotel California” hay diversas opiniones. Leyendo entre líneas se puede comprender que en ella hablan de muerte, de peligros, de adicción a las drogas, de la fama fugaz, habla de tentaciones y entre otras cosas más también del desamor. Para los miembros de la banda la pieza se trata de una reflexión personal acerca del coste que suponen los excesos de la fama. En líneas generales “Hotel California” es un refinado disco con clase en unos tiempos donde otros sonidos promulgaban lo contrario.

Eagles - Hotel California

 

Los mejores discos de la Historia del Rock y del Pop

Ramón Santos

Quiero dedicar una serie de artículos a discos que considero imprescindibles para el entendimiento de la evolución del Rock y del Pop desde sus comienzos, allá por los años 50. Y es que esta es mi verdadera inquietud cultural y profesional, indagar en todo lo concerniente a la evolución de la música contemporánea, con sus derivaciones, añadidos e influencias. Una historia que como todas, va ligada a otras historias, la política, la social y la económica. Estos artículos forman parte de mis programas emitidos en radio y son también base documental para un trabajo posterior que estoy preparando. La serie que presento, son breves reseñas escogidas un poco al azar, es decir, que no tienen un orden cronológico. Espero que os agrade.

Durante el proceso de grabación de este sexto trabajo en disco de la banda británica se produjeron ciertas tiranteces entre especialmente dos de sus componentes; Roger Hodgson y Rick Davies. Uno de los asuntos de estas disputas fue el del nombre del trabajo. Había dos títulos donde elegir, “Hello stranger” y el que seria el definitivo “Desayuno en América”.

El álbum nada más salir al mercado, un 29 de marzo del 79, consiguió importantes puestos en diferentes listas incluidas las de Noruega y Australia. Tan solo en los Estados Unidos se vendieron en su primera edición cuatro millones de copias. Se afirma que aquí en nuestro país uno de cada 25 hogares españoles tiene este disco.

Debemos hacer especial mención a la portada del disco diseñada por el artista Mike Doud quien consiguió por esta portada un premio Grammy en el 79. En dicha portada, para los que no la conozca, aparecen en primer plano una camarera en pose de Estatua de la Libertad. Ella es la actriz americana Kate Murtagh. En su mano derecha porta en lugar de la antorcha de la estatua original un zumo de naranja y en la otra la carta del menú. Tras de ella, al fondo y fabricado con tazas, botellas, platos y cubiertos se puede apreciar una especie de maqueta de Nueva York con las todavía dos Torres Gemelas incluida. Todo esto presidido por un plato con un desayuno típico americano que hace las veces del lugar que ocupa realmente el famoso parque neoyorquino Battery Park. Original todo cuando menos.

Todas las canciones del álbum, diez en total en su primer lanzamiento, fueron compuestas por el dúo Rick y Roger. Las voces se las dividen a medias entre uno y otro autor salvo en el último tema en el que cantan juntos “Child of Vision”.

Este trabajo musical de estudio de la banda fue realizado con el siguiente reparto:

Rick Davies en la voz y teclados
John Helliwell con el saxofón y en los coros
Roger Hodgson en la voz, guitarra y teclados
Bob Siebenberg a la batería
Dougie Thomson al bajo
Y también como músico para la ocasión se contó con Slyde Hyde con el trombón y la tuba.

En 2002 salió une edición especial del disco y en 2010 una edición de lujo con grabaciones de directos realizados en París, Wembley y Miami. En esta edición citada lanzada en dos CD y LP se incluyeron videos y material de promoción.

Para la promoción del disco se lanzaron tres sencillos en el mes de junio del 79 compuestos por las siguientes canciones:

Primer sencillo:

“The Logical Song” en la cara A

“Just Another Nervous Wreck” en la cara B

Segundo single:

“Goodbye Stranger” en la cara A

“Even in the Quietest Moments” en la cara B

Y el tercero:

“Breakfast in America” en la cara A

“Gone Hollywood” en la cara B

Este disco es uno de los mejores de esta banda que supo labrarse su propio camino a base de esfuerzo, dedicación y buen hacer en la música.

Enlace al programa ya emitido con este contenido: http://www.ivoox.com/3380668

Artículo publicado también en: https://www.bebee.com/producer/@jose-ramon-cadiz/seleccion-de-discos-de-la-historia-del-rock-y-del-pop

Estilos clásicos: EL SKIFFLE

El Skiffle es un estilo musical con clara influencia del Folk pero también del Blues, el Jazz y el Country. Una de sus peculiaridades es la básica instrumentación que usaban. La guitarra acústica y el banjo eran las estrellas siempre, pero había otros instrumentos que a veces eran improvisados como el palo de escoba al que se le ataba una cuerda tensada o la tabla de lavar. Peines con papel de seda para hacerlos sonar, arpas judías que se usan con la boca y en ocasiones algún violín también se incorporaba a la fiesta Skiffle.

Glory Skiffle Tramps 1963

Existen ciertas dudas sobre el verdadero origen del Skiffle pero al igual que otros géneros todo indica que fueron los afro americanos de principios del siglo XX los que lo iniciaron. Los primeros grupos de Skiffle eran grupos callejeros que tocaban a cambio de limosnas. Mientras unos hacían la música otro de los componentes pasaba la gorra por entre los transeúntes y así se ganaban la vida. Se dice que la primera vez que se usó la palabra Skiffle en una grabación fue en 1925 con Jimmy O’Bryant and His Chicago Skifflers.

grupo-de-skiffle

El Skiffle tuvo su apogeo durante los años 20 y 30. En los 40 fue decayendo hasta prácticamente desaparecer. Sin embargo, hacia la mitad de los años 50 resurge al otro lado del océano, en Europa y más concretamente en el Reino Unido.


Por su parte el Skiffle británico se mantuvo en expansión hasta la llegada de los años 60 y como precursor del estilo tenemos en ese momento a Lonnie Donegan. Lonnie formó una banda “Lonnie Donegan With His Skiffle Group”. Tocaban Folk y Blues principalmente. Tuvieron mucho éxito y otros grupos comenzaron a imitarles en el camino. De repente surge la fiebre por el Skiffle, cientos, miles de jóvenes se apuntan a aquel sonido atraídos por su aparente sencillez. Son los jóvenes de la clase obrera británica los que forman un movimiento de aficionados en torno al estilo que no exigía tener conocimientos musicales y admitía cualquier tipo de utensilio para hacer música.

The Quarry Men

Los grupos de Skiffle no aspiraban a realizar conciertos en ninguna parte ni tampoco a grabar ningún disco. Simplemente tocaban en cualquier parte, en la calle, en los bares y cafeterías, etc. Lo hacían por diversión y porque estaba de moda hacerlo.
Precisamente de toda ese alud de grupos británicos locos por el Skiffle saldría uno muy destacado; The Quarry Men que luego más tarde se convertirían en los más grandes de la música de todos los tiempos: The Beatles. John Lennon formó The Quarry Men en 1957 a los pocos meses invito a sus filas a Paul Mc Cartney y luego a George Harrison.

Algunos otros destacados hoy músicos echaron su mirada y dieron un guiño al Skiffle en sus comienzos en la música. Gente como Mick Jagger, Jimy Page o Van Morrison por ejemplo. Como grupos actuales podríamos citar a los americanos Wahoo Skiffle Crazies, los británicos The Gutter Brothers o los alemanes Black Bottom Skiffle Group.

Beatles en la azotea – Y van dos…

Ramón Santos

El grupo había editado en febrero del 70 un disco recopilatorio al que titularon “Hey Jude” que igualmente será Disco de Oro. Pero el definitivo de esa categoría y además último de la banda juntos es “Let it be” lanzado en mayo de ese año.

“Let it be” salió con doce canciones, cuatro del dúo Lennon y McCartney, tres de Lennon, tres de McCartney y dos de Harrison. El disco iba a salir al mercado con el título de “Get back” (una de las canciones incluidas) pero también fue causa de discusión y finalmente se quedó en el de “Let it be”.
Efectivamente, las tensiones iban creciendo cada vez más entre ellos y las sesiones se hacían insoportables. En aquellas condiciones no apuntaba bien la terminación del álbum y llego el momento de solucionar el conflicto, al menos como músicos y compañeros de banda.

La decisión fue subir todos los aparatos de grabación necesarios y los instrumentos a la azotea del edificio donde se encontraban los estudios.


Quizás alguien pensara que tocar al aire libre despejaría el mal humor reinante y el enrarecido ambiente que se estaba generando en el interior. Lo cierto es que fue un éxito, los componentes se relajaron un poco e interpretaron allí algunos de los temas del LP. No pudieron hacerlo todo porque algunos vecinos habían mandado llamar a la policía por el ruido.


Los viandantes que pasaban por la calle no podían creérselo, estaban en la azotea cantando y tocando como si tal cosa. Los más atrevidos saltaron de tejado en tejado y lograron acercarse hasta donde estaban los Beatles. Todos estos detalles fueron fielmente captados en un reportaje para la ocasión. Después de aquella aventura otras muchas bandas han intentado imitar al grupo realizando grabaciones en tejados también.

Artículo publicado el día 10 de marzo de 2012 en mi blog sobre música
Agendatodorock.wordpress.com

 

The Beatles en Abbey Road – La portada

Ramón Santos

1969 es el año del álbum Abbey Road para muchos uno de los mejores discos del grupo. Su portada que en un principio no tenía ninguna intencionalidad concreta logra ser una de las más populares de su discografía junto con las de Revolver y el Sgt Peppers. Jamás un simple paso de cebra había causado tanto interés ni creado tanto culto. El fotógrafo, Iain MacMillan tenía apenas un cuarto de hora para poder hacer la foto según la policía local que tuvo que cortar el tráfico para la misma.

Se cuentan muchas cosas alrededor de este disco, entre otras, se dice que los cuatro simbolizan un cortejo fúnebre donde Lennon es el predicador vestido de blanco, Ringo va de luto por el difunto, Harrison va informal y representaría al enterrador y Paúl camina descalzo y con los ojos cerrados y su paso esta al revés del resto es el difunto.

Un lugar de culto y turístico

En la actualidad son muchos los turistas que pasean por aquel mismo paso de cebra por donde caminaran los cuatro melenudos de Liverpool, turistas curiosos que quieren hacerse la misma foto, algo que es sin duda irrepetible.

beatles-abbey-7

Enlace corto a Google Maps: http://cort.as/yQZm

Artículo publicado el día 12 de marzo de 2012 en mi blog sobre música

Agendatodorock.wordpress.com

DISCO DE PLATINO – The Freewhelin´ de Bob Dylan

SICA

Ramón Santos

Para conseguir un Disco de Oro era necesario vender copias del mismo por valor de un millón de dólares. En el caso de vender más de un millón de ejemplares del disco entonces se convertía en un Disco de Platino. Esto último fue lo que consiguió Bob Dylan con su obra “The Freewhelin´ Bob Dylan”. Un trabajo de 1963 segundo en la carrera del músico.

Sería precisamente con este álbum cuando Bob se inicia en la composición de temas suyos completos y editarlos. Concretamente once de los temas de este disco son obra suya al 100%. Los contenidos literarios de las canciones de Dylan aquí tratan principalmente sobre los derechos civiles y el miedo en la sociedad ante las guerras y en especial las del tipo atómica. Pero también incluyó canciones de amor como por ejemplo “Honey, just allow me one more”.

Rápidamente se corrió la voz en el mundo del Folk especialmente de que Bob Dylan estaba despuntando en el panorama con una creatividad y rapidez arrolladora. Pete Seeger uno de los admirados por el propio Dylan junto a Woody Guthrie, se refirió al joven cantautor como “el compositor más prolífico de la escena”.

Aunque en el álbum aparecen 13 canciones en realidad pudieran haber sido algunas más que se quedaron fuera por diversas razones. Esas canciones aparecerían posteriormente en otros discos de Dylan en su carrera.

En cierta ocasión y por aquellos días Bob Dylan dijo estas palabras públicamente: «Las canciones están ahí. Existen por sí mismas a la espera de que alguien las escriba. Acabo de ponerlas en el papel. Si no lo hago yo, alguien más lo haría.»

En la portada del disco se ve una foto de Dylan paseando con su entonces novia, Suze Rotolo por una calle nevada de Nueva York.

Las canciones del disco

  1. “Blowin´ in the wind” Se encarga de abrir el Lp. Todo un himno pacifista desde entonces. Este tema seria versionado por el trío Peter Paul & Mary quienes lo colocarían en la cabeza de listas de éxitos.
  2. “Girl from the North Country” Podría ser un tema dedicado a su entonces novia, Suze Rotolo.
  3. “Masters of War” Un himno antibélico.
  4. “Down the Highway”
  5. “Bob Dylan’s Blues”
  6. “A Hard Rain’s a-Gonna Fall” Una de las canciones que pasarían a la historia como de lo mejorcito del cantautor.
  7. “Don’t Think Twice, It’s All Right” Otra más para su novia de aquellos días, Suze.
  8. “Bob Dylan’s Dream”
  9. “Oxford Town” Canción protesta de Dylan donde da respuesta a los eventos racistas ocurridos en la Universidad de Mississippi.
  10. “Talkin’ World War III Blues”
  11. “Corrina, Corrina”
  12. “Honey, Just Allow Me One More Chance”
  13. “I Shall Be Free” es la que Cierra el disco.

Artículo publicado el día 22 de marzo de 2012 en mi blog sobre música Agendatodorock.wordpress.com